¿Podrás tú atar los lazos de las Pléyades, O desatarás las ligaduras de Orión?

El cúmulo abierto de las Pléyades (M45)
desde Willard, Ohio, EE.UU. - Jeff Adkins

«Uno levanta sus ojos a las estrellas, 

por ese íntimo, irresistible e irrenunciable

anhelo de belleza e infinitud».

MIA

Las Pléyades (del griego «palomas» o «Pleias», «muchas» o «navegantes»), también conocidas como M45, denominación dada por Charles Messier en 1769. «Las Siete Hermanas o Cabrillas», o «Las Siete Cabritas», es un cúmulo abierto visible a simple vista en el cielo nocturno, con un prominente lugar en la mitología antigua, situado a un costado de la constelación de Tauro, asociada también, a simple vista, a Orion. 

M45 map - NASA, ESA and AURA - Caltech

Las principales estrellas son, ordenadas por magnitud: 

Alcyone, Atlas, Electra, Maia, Merope, Taygeta, Pleion, Celaeno, 21 Tauri (5,75) y 22 Tauri (6,40).

Son un grupo de estrellas muy jóvenes situadas a una distancia aproximada de 440 años luz de la Tierra y están contenidas en un espacio de treinta años luz.

Se formaron hace apenas unos 100 millones de años aproximadamente, durante la era Mesozoica en la Tierra, a partir del colapso de una nube de gas interestelar. 

Las estrellas más grandes y brillantes del cúmulo son de color blanco-azulado y cerca de cinco veces más grandes que el Sol.

The Pleiades - Elihu Vedder (1885), pintor simbolista estadounidense.

En la mitología griega, se refiere a las 7 hijas del titán Atlas y de la ninfa marina Pléyone. Son hermanas de Calipso, Hiante, las Híades y las Hespérides. Las Pléyades eran ninfas en el cortejo de Artemisa, compartían su afición por la caza, y como ella intentaban mantener su virginidad.

En el cúmulo abierto de las Pléyades sólo seis de ellas brillan intensamente. La séptima, Mérope, lo hace débilmente porque está eternamente avergonzada de haber mantenido relaciones con un mortal, Sísifo. Algunos mitos también dicen que la estrella que no brilla es Electra, en señal de luto por la muerte de Dárdano, aunque otras pocas versiones dicen que se trata de Estérope. Tras el castigo de Atlas,  Orión las persiguió durante cinco años y Zeus las transformó primero en palomas y luego en estrellas para consolar a su padre.

Las Pléyades están presentes en la literatura y en las diferentes culturas desde la antigüedad.  

En literatura son mencionadas en: 

1. El Majabhárata (Libro 13: Anusasana Parva: Sección: LXXXVI), donde se refieren a ellas como krittikas, del sánscrito, pudiéndose traducir como «cortadores», quienes criaron a Kartikeya.
2. La Ilíada y La Odisea de Homero.
3. Tres veces en La Biblia: Job 9:9 Respuesta de Job a Bildad:  …8 el que solo extiende los cielos, y holla las olas del mar; 9 el que hace la Osa, el Orión y las Pléyades, y las cámaras del sur; 10 el que hace grandes cosas, inescrutables, y maravillas sin número.…, Job 38:31 Dios convence a Job de su ignorancia:…30 El agua se endurece como la piedra, y aprisionada está la superficie del abismo.31 ¿Podrás tú atar los lazos de las Pléyades, O desatarás las ligaduras de Orión?32 ¿Harás aparecer una constelación a su tiempo, y conducir la Osa con sus hijos?…; Amós 5:8 Exhortación al arrepentimiento: 8 El que hizo las Pléyades y el Orión, cambia las densas tinieblas en aurora, y hace oscurecer el día en noche; el que llama a las aguas del mar, y las derrama sobre la faz de la tierra: el SEÑOR es su nombre. Según algunas versiones (Septuaginta), Las Pléyades son llamadas «Kima»; sin embargo la Vulgata incorrectamente identifica ese nombre con Arturo, la estrella más brillante del hemisferio celeste norte.
4. El Popol Vuh (libro sagrado de los Mayas) bajo el nombre de MOTZ, que significa «montón» y que, según lo relata dicho libro, se originaron cuando Zipacna el soberbio mató a 400 guerreros, cuyas almas fueron tomadas por Gucumatz «el Gran Corazón del Cielo» y puestas como estrellas en el espacio, creando así Las Pléyades. Los mayas basaron su calendario civil Haab en el ciclo anual de Las Pléyades, y creían que era el lugar de origen de su cultura. Son llamadas Tzab-ek o «cola de serpiente de cascabel» y también las conocen como «Las siete hermanas».
5. Trabajos y días de Hesiodo en el proemio al calendario del labrador se menciona (385): «Al surgir las Pléyades descendientes de Atlas, empieza la siega; y la labranza cuando se ocultan. Desde ese momento están escondidas cuarenta noches y cuarenta días y de nuevo al completarse el año empiezan a aparecer cuando se afila la hoz».
6. Don Quijote de la Mancha, donde Sancho las menciona como «las siete cabrillas», en el capítulo XLI de la Segunda Parte, cuando habla del viaje aéreo que hicieron Don Quijote y él, sobre Clavileño: «Y sucedió que íbamos por parte donde están las siete cabrillas, y en Dios y en mi ánima que como yo en mi niñez fui en mi tierra cabrerizo, que así como las vi, me dio una gana de entretenerme con ellas un rato, que si no la cumpliera me parece que reventara».

Los Aztecas conocían a Las Pléyades como Tianquiztli o «el mercado», esto por la muchedumbre que se formaba en esos lugares.

Entre los Incas, Las Pléyades dan inicio a su año calendario, la salida heliaca (aparición de un astro por el horizonte una hora antes que el Sol) de estas estrellas ocurre 13 a 15 días antes del solsticio de invierno. Ellos vieron una relación entre el tiempo en que Las Pléyades son visibles y el ciclo agrícola anual. De esta manera, uno de los nombres con que designaban al cúmulo era Collca, que significa «depósito de alimentos» en quechua. Las Pléyades están ausentes del cielo nocturno entre el 3 de mayo y 9 de junio, durante un período de 37 días, que coincide con el que media entre la cosecha y la próxima época de siembra en el altiplano. La observación de la primera aparición no solo definía el inicio del año inca, sino que también les permitía pronosticar las precipitaciones en la siguiente temporada y, según esto, adelantar o atrasar las siembras.

Los Rapanui, pobladores de Isla de Pascua las denominaban Matariki y también las tomaban como referencia para determinar el inicio del año nuevo y dar comienzo a fiestas y ceremonias. Posiblemente fue clave en la colonización polinésica de la isla, al usarse como guía de navegación.

· Fuente: 

https://es.wikipedia.org/wiki/Pléyades(astronomía)
https://es.wikipedia.org/wiki/Pléyades (mitología)

Mike Oldfield - Shabda - Music Of The Spheres

Shabda en sánscrito, significa sonido primigenio que dio origen al Universo.

Camino a la libertad

"The Way Back" o "Camino a la libertad", del director australiano Peter Weir (2010), es una película que me pareció una joya muy bien trabajada, que logra niveles destacados en todos los aspectos: fotografía a cargo de Russell Boyd, libreto, edición, sonido, maquillaje y una música que armoniza con todo ello.  La banda sonora fue compuesta por Burkhard Dallwitz. Su director Peter Weir nos ha entregado otras bellas piezas de cine, destaco según mi gusto “La sociedad de los poetas muertos” y “Único Testigo”.

Sobre la historia contada en este film Weir ha dicho: "Como una hazaña de resistencia y coraje y la tenacidad de los seres humanos para sobrevivir, me pareció que era excelente. Y se quedó conmigo."

Algunos críticos la encuentran lenta y mal compaginada, pero a mí me pareció notable, en su retrato de una parte de la historia de Europa que debemos tener presente, sobre la II Guerra Mundial, el Holocausto judío, la caída del III Reich, la partición de Europa entre este y oeste y la pérdida de la libertad de pequeñas naciones, primero bajo el totalitarismo nazi y luego bajo el soviético.  La historia parte alrededor de 1940 en Polonia, con la captura e interrogatorio de Janusz (Jim Sturgess),  un joven polaco acusado de criticar al partido comunista y de pertenecer a un grupo contrario a la ocupación soviética.

El libreto es una adaptación de Peter Weir con Keith R.Clarke, sobre una exitosa novela titulada "The Long Walk: The True Story of a Trek to Freedom" (Reino Unido, 1956), relato escrito por Ronald Downing basado en conversaciones con Slavomir Rawicz, libro que ha vendido más de medio millón de copias en todo el mundo y ha sido traducido a 25 idiomas.   

Supuestamente Slavomir Rawicz, (Pinsk 1915 - Nottingham, 2004), ex oficial del ejército polaco, narra en primera persona, cómo, tras la invasión de Polonia por los alemanes (1939), fue arrestado por el ejército soviético y encarcelado en Siberia.  

Luego de escapar del campo durante una tormenta de nieve, protagonizó junto a un grupo de hombres y una joven un extraordinario viaje, a lo largo de seis mil cuatrocientos treinta y siete kilómetros, desde un gulag o campo de prisioneros siberiano hasta la India; pasando por los Himalayas al desierto del Gobi, y atravesando el Tíbet se establecieron en la India británica en 1942.

Witold Glinski (1925 – 1983), veterano de Polonia de la II Guerra Mundial, establecido en el Reino Unido, afirmó que la historia era cierta, pero teniéndolo a él como protagonista y no a Slavomir Rawicz.

Aunque parte como una historia verdadera, varios historiadores han puesto en duda su  veracidad, puesto que hace algunos años se comprobó que su protagonista Slavomir Rawicz no escapó, sino que fue liberado por  los rusos como parte de la amnistía general de 1942, a favor de los polacos en la URSS, y posteriormente transportado a través del mar Caspio a un campo de refugiados en Irán, por lo que los hechos relatados en su libro serían ficticios.

 

Pero sin duda en tiempos tempestuosos debe haber muchas historias como ésta, de héroes anónimos que viven su propia odisea, en su regreso a Ítaca.

Un oficial de inteligencia británico asegura haber entrevistado a un grupo de hombres de demacrada apariencia, en Calcuta en 1942, que aseguraban haber escapado de Siberia y luego caminado hasta llegar a la India.

La película se centra básicamente en lo acontecido a siete prisioneros de guerra, que deciden escapar y regresar a casa, a la paz del hogar, con sus seres queridos que han quedado atrás, sin saber si lograrán encontrarlos. Deberán luchar por sobrevivir ante las inclemencias del clima y la geografía, deberán aprender a superar sus diferencias y mancomunar esfuerzos. Siendo de diferentes nacionalidades y diferentes credos, se despliegan valores universales, como la solidaridad, el valor de la vida, el valor de la libertad, de la esperanza, de la amistad, del amor por el otro.  Juntos viven inolvidables momentos. 

Sus personajes:  Mr. Smith, (Ed Harris) un enigmático ingeniero estadounidense conocido solamente por su apellido; Valka (Colin Farrel), un criminal ruso sin escrúpulos que controla el gulag; Tomasz, artista y cocinero del grupo; Kazik, un polaco que sufre de ceguera nocturna; Voss, un sacerdote de Letonia; y Zoran, un contador de Yugoslavia; todos ellos comandados por Januz (Jim Sturgges) el oficial polaco. En el trayecto se les unirá Irena (Sarsoise Ronan), también prisionera polaca.

Se trata de una apuesta por un bien mayor, a cualquier precio, hasta agotar la vida, de ser necesario; es un esfuerzo sobrehumano por conseguir el preciado bien de la libertad y la dignidad de los pueblos. “Se trata de la lucha que todos nosotros tenemos por la sobrevivencia diaria", diría el propio Peter Weir.

La odisea de Januz termina cuando regresa a casa en 1989, tras la caída del Muro de Berlín y se reencuentra con su esposa que lo espera.

El rodaje de "The Way Back" se llevó a cabo en Bulgaria, Marruecos y la India.  Los magníficos escenarios son una parte importante en la ambientación de la película.

El director dedicó el film a tres sobrevivientes desconocidos.

Película completa en: http://www.megaupload.com/?d=RBNC82W3

The Way Back Movie Trailer Official (HD)

“El vals del beso”

Cautivante esta asociación literatura-música. Francisco Arsis acerca a estos grandes músicos y los muestra más humanos,  en este excelente relato.

LILÍ 

Cariño, no sabes cuánto lamento tener que hacerte pasar por este terrible y amargo momento, pero todo resulta ya insostenible. 

He intentado por todos los medios no sentirme incómoda, no sentirme ingratamente engañada conmigo misma, y solo por ti, por todo lo que tú has representado siempre para mí. 

Yo tan solo era una "rubita" linda de ojos azules que se hacía llamar “Lilí”, ansiosa por comerse el mundo, y con un único y claro deseo: lograr cantar algún día en la Ópera Imperial de Viena, a pesar de ser consciente de mis infortunadas limitaciones artísticas. Pero te conocí a ti, Johann, y créeme si te digo que me sentí enamorada realmente de todo lo que tú eres y representas. 

Sé muy bien que ahora no podrás entenderme, cuando ya nada puede detener este abismo que inevitablemente separa nuestras vidas. 

Tú significabas la madurez, la perfección, la suprema melodía que endulzaba Viena recorriendo todos los rincones hasta sus mismísimos cimientos. Y mi admiración hacia ti era tan inmensa que no podía pensar en otra cosa que desear estar a tu lado, a cada momento, en cada instante de tu vida. 

Lilí y su esposo Johann Strauss II

Ser tu adorable esposa, como a menudo te gustaba decir, era mi mayor anhelo. Pero, Johann, tú siempre estabas ocupado, y apenas lograba estar contigo, sintiéndome a cada momento como atrapada en una jaula de oro, prisionera de lujo en un mundo al que no acababa de encontrarle significado. En estos últimos meses incluso te veía ya más como un padre que como un amante esposo. 

Me aburría, Johann. Tu vida gira únicamente en torno a tus composiciones, a tus músicos, y el “Theater an der Wien” es en realidad tu verdadera casa, en la que yo no tenía cabida. No trato de justificarme, amor. Yo he sido peor que tú, lo reconozco. Pero debes admitir que no solo fue culpa mía. Dejarme querer no solucionaba nada, Johann. No tenías que suplicarme que no me apartara de ti. Eso lo tenías por completo. Era relativamente fácil hasta hoy. 

Ahora… todo ha cambiado. Ya nada es suficiente, ni tus regalos, ni tu cariño paternal, ni tus ausencias excusables con un “no te preocupes, mañana te dedicaré todo mi tiempo”, cuando en realidad te pasabas la mayor parte del día componiendo el vals de tu vida.

Johann, ¿no comprendías que me sentía desplazada, ignorada, agobiada por la soledad a causa de tus continuas ausencias en “pro” de tu trabajo? 

Ya nada tiene arreglo, cariño. Sé que cuando esta carta llegue a tus manos ya lo sabrás todo. Pero para entonces ya estaré lejos de tu vida, y no seré un problema para ti. Jamás quise serlo, como cierto es que nunca quise hacerte daño, Johann Strauss “Sohn”.

Franz y yo nos marchamos a Berlín, lejos, muy lejos de Viena. 

Estamos seguros de que el “Theater an der Wien” no notará la ausencia de su director. Su aportación solo era provisional, mientras se decidía quien iba a sustituir al señor Maximilian Steiner, el padre de Franz. 

Adiós, Johann, mi otrora amado compositor. Nunca olvidaré “El vals del beso”. Para mí siempre será una de tus piezas maestras. Si quieres borrar la dedicatoria lo comprenderé. No sería justo que yo me sintiese molesta, cuando he sido incapaz de corresponderte como merecías. 

Johann… lo siento. 

Viena, 27 de agosto de 1882 

* * *

Angelika (Lili) Dittrich (1850-1919)

* Lilí (Angelika Dittrich), segunda de las tres esposas que tuvo Johann Strauss II, regresó a Viena tras la muerte de su ex-esposo, años después de ser abandonada por Franz Steiner. Tras esta nueva separación, regentó durante algún tiempo un estudio fotográfico en Berlín. Finalmente, en el año 1919, moriría en circunstancias sombrías tras padecer, el resto de su vida, el sentimiento de culpa generado por el daño causado a su esposo, ante su amarga conducta. 

Escribí este relato ante la fascinación que siempre ha despertado en mí el compositor "Johann Strauss II", el emperador del vals.

© Francisco Arsis Caerols (Alcoy, España)

http://franciscoarsis.galeon.com/, su web


El autor se encuentra en estos momentos lanzando su libro:  "El pasajero del tiempo"

Se llevaron el oro y nos dejaron el oro...

Cada año en 12 de Octubre,  el día en que en nuestra infancia celebrábamos sin mayores contradicciones el llamado "Día de la raza", después de la mayor conciencia adquirida con los años, continúo celebrando en este día todo aquello que recibí desde estos dos nobles pueblos que conforman mi pueblo de Chile.  Entonces,  creo que nadie mejor que Pablo Neruda lo expresa,  a traves de estas líneas:

Woman in red   -   Andrew Antroshenko

LAS PALABRAS


...Todo lo que usted quiera, sí señor, pero son las palabras las que cantan, las que suben y bajan.

Me prosterno ante ellas... Las amo, las adhiero, las persigo, las muerdo, las derrito... Amo todas las palabras. Las inesperadas... Las que glotonamente se esperan, se escuchan, hasta que de pronto caen...

Vocablos amados. Brillan como piedras de colores, saltan como platinados peces, son espuma, hilo, metal, rocío... Persigo algunas palabras...
Son tan hermosas que las quiero poner en mi poema. Las agarro al vuelo cuando van zumbando, y las atrapo, las limpio, las pelo, me preparo frente al plato, las siento cristalinas, ebúrneas, vegetales, aceitosas, como frutas, como algas, como ágatas, como aceitunas... Y entonces, las revuelvo, las agito, me las bebo, las trituro, las libero, las emperejilo...

Las dejo como estalactitas en mi poema, como pedacitos de madera bruñida, como carbón, como restos de naufragio, regalos de la ola.

Todo está en la palabra. Una idea entera se cambia porque una palabra se trasladó de sitio, o porque otra se colocó dentro de una frase que no la esperaba...

Tienen sombra, transparencia, peso, plumas. Tienen todo lo que se les fue agregando de tanto rodar por el río, de tanto trasmigrar de patria, de tanto ser raíces... Son antiquísimas y recientísimas. Viven en el féretro escondido y en la flor apenas comenzada...

Qué buen idioma el mío, qué buena lengua heredamos de los conquistadores torvos. Estos andaban a zancadas por las tremendas cordilleras, por las Américas encrespadas, buscando patatas, tabaco negro, oro, maíz con un apetito voraz.

Todo se lo tragaban, con religiones, pirámides, tribus, idolatrías... Pero a los conquistadores se les caían de las botas, de las barbas, de los yelmos, como piedrecitas, las palabras luminosas que se quedaron aquí, resplandecientes... el idioma. Salimos perdiendo... salimos ganando. 

Se llevaron el oro y nos dejaron el oro. Se llevaron mucho y nos dejaron mucho... 

Nos dejaron las palabras. 


“Confieso que he vivido”, libro póstumo de memorias de Pablo Neruda (1974)

*** Creo que todos, en mayor o menor grado, hemos sentido la contradicción de reconocer y denunciar los abusos que se cometieron durante la Conquista, pero al mismo tiempo agradecer el traspaso de elementos culturales del Viejo Mundo, como el idioma y la Fe. La lengua de Garcilaso de la Vega, Cervantes, de Lorca, de Machado y de tantos otros con que nos ha regalado España. 

"Se llevaron el oro y nos dejaron el oro..."

Ana Karenina, entre el amor, la pasión y el deber

Ana Karenina es una novela psicológica del escritor ruso León Tolstói publicada en 1877. Es considerada una de las obras cumbres del Realismo, un verdadera fotografía de la Rusia del siglo XIX. Fiódor Dostoyevski la catalogó como una "obra de arte". 

"Todas las familias felices se parecen unas a otras; pero cada familia infeliz tiene un motivo especial para sentirse desgraciada” 

Con estas palabras empieza Ana Karenina. La historia se desarrolla en la Rusia Imperial y trata de una bella aristócrata infelizmente casada con Alekséi Aleksándrovich Karenin, 20 años mayor que ella, funcionario de San Petersburgo, que llegó a Moscú con una misión especial, allí ella se enamora del conde Alexei Kiríllovich Vronsky, un apuesto militar con un futuro prometedor. Entre ambos surge un tempestuoso y apasionado romance que tratarán de mantener en secreto. Pero serán descubiertos, provocando un escándalo que marcará el destino de los amantes y de sus familias por el resto de sus vidas.

Ana Arkádyevna Karenina es, por un lado, la mujer infiel que abandona a su marido y a su hijo; y que, por otra parte, ha llevado una vida infeliz al lado de su esposo y ha luchado para reprimir un sentimiento que es mas fuerte que ella. A causa de esta infidelidad, pierde a su hijo y es rechazada por la sociedad rusa. Se advierte un doble estándar frente al adulterio, algo que aún persiste en la actualidad, con resabios de una sociedad machista, cuyas presiones actúan con la fuerza del destino. 

Sophie Marceau como Ana Arkádyevna Karenina 

Ana fue valiente, pues por su amor fue capaz de enfrentarse a todos y sacrificarlo todo: amigos, reputación, familia, pero finalmente fue incapaz de soportar el conflicto interno que este drama le producía.

Esta importancia tan trascendental que da Tolstói a los trenes, se hace presente en la novela, al inicio, cuando Ana conoce al que sería su amante, Alexei Vronsky y es testigo de la muerte de un ferroviario entre las ruedas del tren, esa experiencia la marcó a tal punto que al final decide terminar sus días de la misma forma, cuando sospecha que ha perdido el amor del conde.

"Con paso rápido, ligero, bajó las escaleras que iban del depósito de agua a la vía y se detuvo al lado mismo del tren 

que pasaba." 

El autor muestra un interés premonitorio en las estaciones de trenes, puesto que treinta y tres años después de terminar esta obra, fallece también en una triste estación de ferrocarril, cuando corría el año 1910.

León Tolstói, cuyo nombre completo es Liev Nikoláievich Tolstói, como escritor fue un profundo pensador social, considerado uno de los más eminentes autores de narrativa realista de todos los tiempos, nació el año 1828 en Yasnaia Poliana, la propiedad agrícola de su familia, al sur de Moscú. Perdió a su madre a los dos años y a su padre a los nueve años, tuvo tutores franceses y alemanes y, a los 16 años, ingresó en la Universidad Kazan, donde estudió lenguas y más tarde, leyes. Influido por los escritos del filósofo francés Jean Jacques Rousseau, abandona sus estudios en 1847. 

Ingresa a la milicia y en el Cáucaso entró en contacto con un pueblo que se convertiría en protagonista de una de sus mejores novelas cortas, Los cosacos (1863). Tolstoi regresó a San Petersgburgo en 1856, y en 1862, se casó con Sonia Andréievna Bers, miembro de una culta familia de Moscú. Durante los siguientes quince años formó una extensa familia, administró con éxito sus propiedades y escribió sus dos novelas principales, Guerra y Paz ( 1865-1869 ) y Ana Karenina ( 1875-1877). 

Desde el centro mismo de la autocrática Rusia de su época, atacó sin temor las desigualdades sociales y los abusos del gobierno y del clero, clamó por la liberación y la adopción de modelos de vida acordes con la conciencia. 

A los 82 años, y atormentado por la lucha entre sus criterios morales y su riqueza material, y ante las continuas disputas con su mujer, que se oponía a deshacerse de sus posesiones, Tolstói, acompañado por su médico y la menor de sus hijas, se marchó de casa a escondidas, en medio de la noche. Consecuencia de ello, tres días más tarde, cayó enfermo de neumonía y, el 20 de noviembre de 1910, murió en una remota y desconocida estación de ferrocarril. 

"Nunca olvidaré nada que tenga que ver contigo."

La novela ha sido versionada en el teatro, la danza, la ópera y el cine en numerosas oportunidades:

* Anna Karénina (1935), dirigida por Clarence Brown, con Greta Garbo y Fredric March.

* Anna Karénina (1948), dirigida por Alexander Korda, con Vivien Leigh en el papel protagonista.

* Anna Karénina (1985), con Jacqueline Bisset y Christopher Reeve.

* Anna Karénina (1997), estrenada en Rusia bajo la dirección de Bernard Rose, con Sophie Marceau y Sean Bean como protagonistas.

* También ha inspirado el ballet Anna Karénina de Rodión Shchedrín para la bailarina Maya Plisétskaya y la ópera Anna Karenina en inglés de David Carlson estrenada en la Florida Grand Opera de Miami (2006) con Kelly Kaduce y Brandon Jovanovich.

* Anna Karenina (2012), dirigida por Joe Wright, es la última película, filmada en Londres, cuenta con la inglesa Keira Knightley en el rol de Anna Karenina, Jude Law como su esposo Alexei, mientras que el rol del joven amante está encarnado por Aaron Johnson. 

A juzgar por el trailer, recién estrenado, ya se puede vaticinar que obtendrá una gran cantidad de nominaciones a los Oscar 2013.

De todas estas versiones, me quedo con la protagonizada por Sophie Marceau, porque la considero una actriz muy talentosa y tanto la ambientación como la actuación son destacadas, pero aún no veo la última que promete.

Ana Karenina - Requiem for a dream

con escenas del film de Bernard Rose

"-La mujer, amigo mío, es un ser que por más que lo estudies te resulta siempre nuevo.

-Entonces vale más no estudiarlo.

-¡No! Un matemático ha dicho que el placer no está en descubrir la verdad, sino en el esfuerzo de buscarla."

(Capítulo XIV. Diálogo entre Esteban Arkadievich Oblonski y Constantino Levin)

* Fuente: Tólstoi, León. Ana Karenina. España: editorial ALBA, 1999. 568p.

Ana Karenina, obra completa

http://es.wikisource.org/wiki/Ana_Karenina

Fueron sólo quejas de una rosa...

Fueron sólo quejas de una rosa...

"Las flores son débiles. Son ingenuas. Se defienden como pueden. Se creen terribles con sus espinas…"

"¡No supe comprender nada entonces! Debí juzgarla por sus actos y no por sus palabras. ¡La flor perfumaba e iluminaba mi vida y jamás debí huir de allí! ¡No supe adivinar la ternura que ocultaban sus pobres astucias! ¡Son tan contradictorias las flores! Pero yo era demasiado joven para saber amarla".

"El Principito" - Antoine de Saint Exupéry

Día Mundial del Libro: ¿Para qué leemos?

"Leemos para saber que no estamos solos"  CS Lewis

Razones para leer...

Para vivir más

Para detener el tiempo

Para saber que estamos vivos

Para saber que no estamos solos   

Para saber

Para aprender

Para aprender a pensar

Para descubrir el mundo

Para conocer otros mundos

Para conocer a los otros

Para conocernos a nosotros mismos

Para compartir un legado común

Para crear un mundo propio

Para reír

Para llorar

Para consolarnos

Para desterrar la melancolía

Para ser lo que no somos

Para no ser lo que somos

Para dudar

Para negar

Para afirmar

Para huir del ruido

Para combatir la fealdad

Para refugiarnos

Para evadirnos

Para imaginar

Para explorar

Para jugar

Para pasarlo bien

Para soñar

Para crecer

Victoria Fernandez

Directora de la revista CLIJ  

Cuadernos de Literatura Infantil y Juvenil

Barcelona,  España

Las aguas lloran la muerte de Narciso

Michelangelo Caeavaggio - Narcissus (1598-99)
Galleria Nazionale d'Arte Antica, Rome

Las aguas lloran 

cuando Narciso ha muerto 

y no viene más 

para verse reflejado en ellas,  

pero no lloran por él sino por sí mismas,  

porque ya no pueden ver 

su propia belleza 

reflejada en sus ojos.

MIA

* * *

El reflejo

Un microcuento de Oscar Wilde

Cuando murió Narciso las flores de los campos quedaron desoladas y solicitaron al río gotas de agua para llorarlo.

-¡Oh! -les respondió el río- aun cuando todas mis gotas de agua se convirtieran en lágrimas, no tendría suficientes para llorar yo mismo a Narciso: yo lo amaba.

-¡Oh! -prosiguieron las flores de los campos- ¿cómo no ibas a amar a Narciso? Era hermoso.

-¿Era hermoso? -preguntó el río.

-¿Y quién mejor que tú para saberlo? -dijeron las flores-. Todos los días se inclinaba sobre tu ribazo, contemplaba en tus aguas su belleza...

-Si yo lo amaba -respondió el río- es porque, cuando se inclinaba sobre mí, veía yo en sus ojos el reflejo de mis aguas.

* * *

El tema de Narciso, muy recurrente en la poesía italiana y en la literatura en general, no así en la pintura, ha sido tomado de Las metamorfosis de Ovidio. 

El Mito que habla del hermoso joven que se quedó absorto en el reflejo de su propia imagen en un estanque, fue representado magistralmente por Caravaggio. 

Echo_and_Narcissus  -  John William Waterhouse (1903)

En la mitología griega, Narciso era un joven conocido por su gran belleza. Las doncellas se enamoraban fácilmente de él a causa de su extraordinaria belleza, mas él las rechazaba. Entre las jóvenes heridas por su amor está la ninfa Eco, quien había sido castigada por Hera a repetir las últimas palabras de aquello que se le dijera. Eco fue, por tanto, incapaz de hablarle a Narciso de su amor, pero un día, cuando él estaba caminando por el bosque, Eco se le acercó permaneciendo oculta entre los árboles Cuando él preguntó «¿Hay alguien aquí?», Eco respondió: «Aquí, aquí». Incapaz de verla, Narciso le gritó: «¡Ven!». Después de responder: «Ven», Eco salió de entre los árboles con los brazos abiertos. Narciso cruelmente se burló de su amor y la ninfa desolada, se ocultó en una cueva donde se consumió hasta que sólo quedó su voz. 

Para castigar a Narciso por su maldad, Némesis, la diosa de la venganza, hizo que se enamorara de su propio rostro reflejado en una fuente. En una contemplación absorta, incapaz de apartarse de su reflejo, al intentar besar la imagen reflejada, acabó cayendo a las aguas donde murió ahogado, pero los dioses le concedieron convertirse en la flor que lleva su nombre, perpetuamente inclinada sobre el agua para poderse contemplar por toda la eternidad. 

La palabra narciso deriva etimológicamente del término griego narkào 

o narcótico, debido a la intensidad del aroma que desprende la flor 
de esta planta bulbosa, que presenta seis pétalos en forma de estrella.

Caravaggio emplea una composición sencilla para plasmar el tema. Esta técnica proporciona una gran cercanía al personaje que se percibe con gran autenticidad, como en una fotografía, donde el cuerpo retratado está demasiado próximo el espectador. Es por esto que las figuras de Caravaggio suelen tener un tamaño casi natural, lo que aumenta la sensación de proximidad con ellas. 

El lienzo está limpiamente seccionado en dos mitades, por el personaje que describe con su cuerpo una figura geométrica rectangular casi perfecta, con un arco de luz sobre sus brazos, cuello y rostro, equilibrado con el destello central de la rodilla. 

En la mitad inferior le responde con armonía el reflejo del joven, más atenuado, perdido en el estanque, significando la fatuidad y lo superficial de la belleza física, no más estable que el reflejo trémulo de la superficie del agua.

Esta obra se enmarca en el estilo tan característico de Caravaggio,  con sus contrates violentos de luces y sombras, la “luz de bodega” y el “tenebrismo” que usaba, lo que subraya el vigor plástico de las formas que adquieren en sus obras aún mayor relieve gracias a los escorzos enérgicos y a la asimetría de las composiciones.

"El contraste de claro-oscuro se obtiene mediante la gama de grises o utilizando el blanco y el negro. El punto extremo está representado por blanco y negro, observándose la proporción de cada uno. Un ejemplo de este contraste, lo encontramos en Narciso (1594-1596) de Caravaggio."

* Ingrid Calvo Ivanovic, Diseñadora Gráfica titulada en la Universidad de Chile. Miembro individual de la Asociación Internacional del Color (AIC).

Michelangelo Merisi da Caravaggio (Milán, 1571 – Porto Ércole, 1610) pintor italiano activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia entre los años de 1593 y 1610. Es considerado como el primer gran exponente de la pintura del Barroco, en la Escuela naturalista italiana.

El claroscuro llegó a escena mucho antes del arribo de Caravaggio a la pintura, pero fue éste quien le dio la técnica definitiva, oscureciendo las sombras y transformando el objeto en un eje de la luz, cada vez más penetrante. De este modo los pintores lograron plasmar el físico y la psicología de los personajes de una forma cada vez más real y aguda. Su influencia en el claroscuro y en la interpretación del realismo psicológico perduró a través de los tiempos.

*  Fuente:  

http://es.wikipedia.org/wiki/Narciso_(mitolog%C3%ADa) 

http://es.wikipedia.org/wiki/Caravagismo 

http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/2252.htm

http://a-chuisle-mo-croi.blogspot.com/2011/10/la-luz-y-la-sombra-de-caravaggio.html